Freitag, 26.10. 07, 19 Uhr Glockenhaus, Glockenstraße

Anthologie Neuer Musik für Akkordeon -
Mirjana Petercol, Stefan Reil

Programm

Ole Schmidt
Ole Schmidt (* 1928) is a composer, conductor, pianist, teacher, and provocateur. During a career of more than forty years he has cut a versatile figure on the Danish music scene.

Schmidt was born in Copenhagen in 1928. He started out after the war as a self-taught jazz pianist, earning money by playing in restaurants and at gymnastics classes for women. In 1948 he began to study the piano at the Royal Danish Academy of Music while continuing to play jazz, and after that he studied conducting at the same time as enrolling in what was then a newly-started composition programme at the Academy. His teachers of composition and theory included outstanding names like Vagn Holmboe, Finn Høffding, Jörgen Jersild, and Niels Viggo Bentzon.
Schmidt made his official debut as a composer in 1955, but prior to that he had made a reputation in Denmark with several works. A Piano Concerto from 1954 had been broadcast on the radio, and in the same year he was asked to write music for the Royal Danish Ballet; this led to the score Bag Tæppet (Behind the Curtain). After completing his studies in Copenhagen Ole Schmidt took private lessons in conducting with Albert Wolff, Rafael Kubelik, and Sergiu Celibidache. In the first few years after graduating he worked at the Royal Danish Opera, where he was conductor of the ballet from 1958 to 1965.

Ole Schmidt is best known internationally as a conductor. He has appeared as a freelancer all over Scandinavia, in most of Europe, and in the USA but has also held a number of permanent appointments.

Sofia Gubaidulina

Sofia Gubaidulina wurde 1931 in Tschistopol geboren. Im Alter von 23 Jahren schloss sie ihre Ausbildung am Konservatorium in den Fächern Klavier und Komposition in Kasan ab. Sie vervollständigte ihre Studien in Komposition am Moskauer Konservatorium bis zum Jahre 1963.

Seitdem ist Gubaidulina als freischaffende Komponistin tätig und zählt neben Schnittke, Denissow und Silwestrow zu den führenden Vertretern der „Neuen Musik“ in Russland. So gelangten ihre Werke mit Beginn der achtziger Jahre – insbesondere dank des tatkräftigen Einsatzes von Gidon Kremer – rasch in die westlichen Konzertprogramme. Dies bekunden die vielen Aufträge namhafter Institutionen (darunter BBC, Berliner Festwochen, Library of Congress, NHK, The New York Philharmonic) sowie die stattliche Zahl der CD-Einspielungen.

Sofia Gubaidulina, die seit 1992 in der Nähe von Hamburg lebt, ist Mitglied der Akademie der Künste in Berlin, der Freien Akademie der Künste in Hamburg sowie der Königlichen Musikakademie Stockholm. Im Jahre 1999 wurde sie in den Orden “Pour le mérite” aufgenommen.

“Als Ideal betrachte ich ein solches Verhältnis zur Tradition und zu neuen Kompositionsmitteln, bei dem der Künstler alle Mittel – sowohl neue als auch traditionelle – beherrscht, aber so, als schenke er weder den einen noch den anderen Beachtung. Es gibt Komponisten, die ihre Werke sehr bewusst bauen, ich zähle mich dagegen zu denen, die ihre Werke eher ‘züchten’. Und darum bildet die gesamte von mir aufgenommene Welt gleichsam die Wurzeln eines Baumes und das daraus gewachsene Werk seine Zweige und Blätter. Man kann sie zwar als neu bezeichnen, aber es sind eben dennoch Blätter, und unter diesem Gesichtspunkt sind sie immer traditionell, alt.
Den größten Einfluss auf meine Arbeit hatten Dmitri Schostakowitsch und Anton Webern. Obwohl dieser Einfluss in meiner Musik scheinbar keine Spuren hinterlassen hat, ist es doch so, dass mich diese beiden Komponisten das Wichtigste gelehrt haben: ich selbst zu sein.”
(Sofia Gubaidulina)

Im Bereich der Neuen Musik hat ein Werk von Sofia Gubaidulina bereits den Status eines Klassikers hat: „De profundis“ für Akkordeon solo. Der Hörer wird Zeuge einer langsamen und unaufhaltsamen Steigerung vom „Röcheln“ des untersten Akkordeon-Registers bis zu den reinen und zarten Tönen des obersten: „ein Aufstieg vom Niedrigsten zum Höchsten, dem Atem, der Seele bis hin zur Weltseele oder der Weisheit, wie es Gubaidulinas Freund und Kollege Viktor Suslin einmal ausgedrückt hat. Mit den Mitteln des Klangs überträgt Gubaidulina ein Symbol des Lebens auf die Musik: den Atem. Der Atem unterscheidet das Lebendige vom Toten.

Gubaidulina wählte zur Grundlage ihrer Komposition die Zeilen des Psalms 130 „Aus der Tiefe rufe ich, Herr, zu dir“ zur Charakterisierung ihrer verschachtelten Botschaft. Zuweilen klingen schattenhaft Choralmelodien an, bestimmend bleibt aber die Grundidee des Aufsteigens. Immer wieder stören scharfe Einwürfe und expressive Gesten, eindringliche Glissandi und nervöse Vibrati die Bewegungsrichtung. Und dann sind da die bewusst eingebauten Atmer des Instrumentes, das Dahingehauchte, kaum Hörbare, das sich den kraftvollen Akkordblöcken entgegenstellt. Die Musikologin Valentina Cholopowa sagte dazu einmal: „All diesen Klängen sind feierliche, mit Figurationen reich ausgestattete Akkorde gegenübergestellt, aber auch eine lange, einstimmige Melodie, die den gesamten symbolischen Weg des Werkes durchläuft – aus der Tiefe bis in die strahlende Höhe.

Arne Nordheim
(Larvik, Norway, 20 June 1931) is a Norwegian composer. He started out as an organ and theory student at the Oslo Conservatory (1948–52), but later turned to composition, studying with Karl Andersen, Bjarne Brustad, Conrad Baden and Holmboe. He also studied musique concrète in Paris (1955) and electronic music in Bilthoven (1959). Nordheim was one of Norway’s first composers to turn towards postwar modernism, and he is among the most internationally recognized. He has played a key role in Norwegian musical life as a member of a number of organizing committees and councils.
Nordheim has gradually established a position as Norway’s national composer since 1982 living in Grotten, the honorary residence of the Norwegian state. This role has led to celebratory works, such as music for the opening of the 1994 Winter Olympic Games in Lillehammer. For the same event he composed Draumkvedet, based on a medieval Norwegian epic poem, while to mark the millennium of the city of Trondheim in 1997.

Flashing:
Spur (1975) is a large-scale concerto for accordion and orchestra which was commisioned by the Südwestfunk Orchestra in Baden-Baden. As already indicated above, through his relationship to traditional historical forms, Nordheim seeks to recapture the correspondence of these forms with the social dynamic which gave birth to them. The history of the concerto as a medium of communication is without any doubt closely interlinked with its role as intermediary between social convention and individual freedom and the process through which individual creativity is absorbed to become common property, leaving behind footprints and signposts in culture. The title can also be likened to the footprints left behind by the solo instrument as it expores the open orchestral landscape created by the stereophonic arrangement of the instruments, as well as to the footprints left by the surroundings themselves on the solo instrument's own patterns of reaction. The cadenza of Spur is also published (with a few changes) as a solo piece called Flashing and has also been recorded by other artists many times

Poul Rovsing Olsen
(1922-82) Composer, ethno-musicologist. Studied piano and theory at the Royal Academy of Music. Bachelor of Laws 1948. 1948-49 studies in Paris with Nadia Boulanger. As a member of several expeditions to Arabia and Greenland he collected native music; since 1960 connected with the Danish Folklore Archive. Music critic. 1962-67 chairman of the Society of Danish Composers. - Works: opera, ballets, music for theatre, film, radio, and television, orchestral and chamber music, piano compositions, songs with piano and with instruments, choral works.

John Cage
is born at Los Angeles (5 September 1912) and died at New York (12 August 1992).
He left Pomona College early to travel in Europe (1930-31), then studied with Cowell in New York (1933-4) and Schönberg in Los Angeles (1934): his first published compositions, in a rigorous atonal system of his own, date from this period.
In 1937 he moved to Seattle to work as a dance accompanist, and there in 1938 he founded a percussion orchestra; his music now concerned with filling units of time with ostinatos (First Construction in Metal, 1939).
He also began to use electronic devices (variable-speed turntables in lmaginary Landscape n.1, 1939) and invented the 'prepared piano', placing diverse objects between the strings of a grand piano in order to create an effective percussion orchestra under the control of two hands.
He moved to San Francisco in 1939, to Chicago in 1941 and back to New York in 1942, all the time writing music for dance companies (notably for Merce Cunningham), nearly always for prepared piano or percussion ensemble.
There were also major concert works for the new instrument: A Book of Music (1944) and Three Dances (1945) for two prepared pianos, and the Sonatas and Interludes (1948) for one.
During this period Cage became interested in Eastern philosophies, especially in Zen.
Working to remove creative choice from composition, he used coin tosses to determine events (Music of Changes for piano, 1951), wrote for 12 radios (Imaginary Landscape n.4, also 1951) and introduced other indeterminate techniques.
His 4'33" (1952) has no sound added to that of the environment in which it is performed; the Concert for Piano and Orchestra (1958) is an encyclopedia of indeterminate notations.
Yet other works show his growing interest in the theatre of musical performance (Water Music, 1952, for pianist with a variety of non-standard equipment) and in electronics (Imaginary Landscape n.5 for randomly mixed recordings, 1952; Cartridge Music for small sounds amplified in live performance, 1960), culminating in various large-scale events staged as jamborees of haphazardness (HPSCHD for harpsichords, tapes etc, 1969).
The later output is various, including indeterminate works, others fully notated within a very limited range of material, and pieces for natural resources (plants, shells).
Cage also appeared widely in Europe and the USA as a lecturer and performer, having an enormous influence on younger musicians and artists; he wrote several books.

In a landscape:
John Cage's In a Landscape was composed using the rhythmic structure of a dance by the choreographer Louise Lippold. With its use of the sustain pedal and its foreshadowing of minimalism, In a Landscape also creates a sense of curving, circular time, and draws an arc to William Duckworth's The Time Curve Preludes.

Jukka Tiensuu

Geboren 1948 in Helsinki. 1967-72 Studium an der Sibelius-Akademie bei Merete Söderhjelm (Klavier) und Paavo Heininen (Cembalo, Dirigieren, Komposition). Weitere Kompositionsstudien 1972/73 bei Roger Sessions an der Juilliard School of Music in New York, von 1973-76 bei Brian Ferneyhough und Klaus Huber an der Musikhochschule Freiburg. Studien ebenfalls von 1978-82 am IRCAM Paris. 1979-83 künstlerischer Leiter der Biennale Helsinki, 1981 Gründung des Internationalen Festivals und der Sommerakademie für neue Musik in Viitasaari. Koussevitzky-Preis Boston (1979), Gaudeamus-Preis (1979) und UNESCO-Preis Paris (1988).

Aufschwung (1977)
ist ein Werk, das sich dem Interpreten nicht auf den ersten Blick öffnet. Obwohl es aus dem Duo für Akkordeon und Gitarre Sinistro „extrahiert“ ist, funktioniert es perfekt als eigenes Stück, dessen Realisierung zu gleichen Teilen in den Händen des Interpreten wie des Komponisten liegt. Tiensuu macht hier von einer Synthese verschiedener Techniken (serieller, aleatorischer, intuitiver, stochastischer, poinitilistischer) Gebrauch, was den Interpreten vor eine harte Herausforderung stellt. Er ist nicht nur gefragt, eine komplexe polyphone Struktur umzusetzen (vor allem auf rhythmischer Ebene}, er muß sich selbst auch noch mit geschlossenem Mund singend „begleiten“! Die Ausdrucksstärke des Interpreten reicht von unterbrochener Meditation bis zu glühenden Ausbrüchen in alle Richtungen. Zumindest im Prinzip ist jede Aufführung von Aufschwung ein einzigartiges Ereignis, weil der Interpret nicht nur seine eigenen Entscheidungen in den Imrovisationsteilen zu treffen hat, sondern auch die Reihenfolge der verschiedenen Teile bestimmt.

Bent Lorentzen

Bent Lorentzen was born 1935 and studied musicology at the university in Aarhus and at the Royal Danish Academy of Music in Copenhagen. He is pupil of Knud Jeppesen, Finn Høffding, Vagn Holmboe and Jörgen Jersild. Efter his final examination he taught at the Academy of Music in Aarhus for some years. Bent Lorentzen occupies a special position in modern Danish composition music. His point of departure was the Danish tradition of the 1950s (his teachers included Vagn Holmboe and Finn Høffding). However, he quickly left this period behind. In the sixties electronic music inspired his creativity to take new paths, and since then innumerable other composition techniques have exerted an influence. Bent Lorentzen’s music is often characterized as "sonic", meaning that it has the actual sounds - the experience of sonority and materiality at its centre.

Bent Lorentzen has composed in well nigh all genres. His orchestral music includes concertos for oboe (1980), cello (1984), piano (1984), saxophone (1986), trumpet (1991) and violin (2001); his chamber music comprises solo works for organ, piano, trumpet, saxophone, clarinet, guitar, violin, cello and double-bass, as well as string quartets and works with mixed ensembles (2-12 instruments). His choral music consists of a wealth of works in a special theatrical style. To these we can add electronic music and instrumental theatre works. Bent Lorentzen has probably had most significance as a music dramatist with fourteen operas so far, many of which have been staged abroad.

INTERPRETEN

Mirjana Petercol

stammt aus Istrien/Kroatien. Ihre musikalische Ausbildung begann im Alter von sechs Jahren an der Musikschule ihrer Heimatstadt Porec, Ausbildung am Konservatorium Pula. Mehrfache Preisträgerin bei nationalen Wettbewerben. Studien im Fach Bayan (Knopfakkoredeon) an der Musikhochschule Hannover bei Prof. Elsbeth Moser. Diplom- und künstlerische Ausbildung mit Auszeichnung sowie Solistenklasse mit Konzertexamen. Während der Solistenausbildung qualifizierte sich Mirjana Petercol zusätzlich im Bereich der Musikmedizin (Dispokinesiopädie nach Klashorst). Preisträgerin des internationalen Kammermusikwettbewerbs Castefidardo (Italien). Stipendium der Richard-Wagner-Gesellschaft. Schwerpunkt zeitgenössische Originalliteratur für Bayan solo und verschiedene kammermusikalische Besetzungen. Im Bereich der neuen Musik zahlreiche Konzerte und Uraufführungen auf Festivals der neuen Musik, u.a. 38. Tage der Neuen Musik Hannover, KlangArt Osnabrück, Euregio Festival, 8. Braunschweiger Kammermusikpodium, EXPO 2000. Solistin bei Orchesterkonzerten mit Werken von Sofia Gubaidulina ("Sieben Worte") und Astor Piazzolla ("Aconcagua"). Konzerte mit den Bielefelder Philharmoniken (Hans Zender: "Schuberts Winterreise") und M. Fischer-Diskau. Dozentin für Akkordeon und Dispokinesiopädie beim 14. Kammermusikkurs der Hessischen Landesakademie und bei den internationalen Sommerkursen in Norwegen, Kroatien und Italien. Dozentin für Akkordeon, Dispokinesiopädie, Kammermusik und Methodik an den Musikakademien in Kassel und Wiesbaden.

Stefan Reil

Geboren 1966 in Varel, Studium „Musikerziehung“ und „Künstlerische Ausbildungsklasse“ mit dem Hauptfach Akkordeon an der Hochschule für Musik und Theater Hannover. Preisträger div. nationaler u. internationaler Wettbewerbe für Akkordeon, Konzerttätigkeiten im In-u. Ausland (u. a. Uraufführung "Tíminn og vatniđ" von A. H. Sveinsson, Reykjavik 1994).Tätigkeit als freischaffender Musiker und Pädagoge an den Musikschulen in Lüneburg und Uelzen. Bei seinem Instrument handelt es sich um ein chromatisches Knopfakkordeon modernster Bauart (Jupiter-Bajan, Moskau, 1992). Es verfügt über einen Tonumfang, der nahezu dem eines Konzertflügels entspricht.